MENSAJE DEL PROFESOR: Queridos alumnos. El curso de "Historia, Teoría y Práctica de la Crítica de Arte" ha terminado. Quiero agradeceros a todos vuestra atención y dedicación a la asignatura. Ha sido para mi un placer teneros como alumnos. Ojalá pueda leer muchas de vuestras críticas y textos en muchos otros lugares. La crítica tiene que ser, recuerdo de nuevo a Baudelaire, "parcial, apasionada y política". Seguro que con pasión podréis generar un espacio propio desde el que establecer un diálogo que permita construir una comunidad más justa. Os deseo, a todos los que estáis ya a punto de conseguir la anhelada graduación, lo mejor. Fernando Castro Flórez.

Arte sin mordazas

Los encargados

Jorge Galindo y Santiago Sierra

Galería Helga de Alvear

Patricia Romero Pérez

De la mano de los artistas urbanos Jorge Galindo y Santiago Sierra nos encontramos con esta exposición titulada “Los encargados” en la Galería Helga de Alvear. Se trata de una exposición con un acentuado carácter político donde se critica la actual situación política de nuestro país.

Las obras de la exposición se disponen en dos plantas de la galería donde encontramos pinturas, fotografías y vídeos relacionados con la política española de los últimos años. Pero la obra más destacada se trata de un vídeo en blanco y negro y que recoge el trayecto de siete Mercedes Benz atravesando el centro de Madrid a modo de cortejo fúnebre con la música de la Varsoviana Soviética. Cada coche lleva encima un cuadro colocado del revés donde aparecen las caras del rey Juan Carlos y de siete presidentes: Adolfo Suárez, Leopoldo Calvo Sotelo, Felipe González, José María Aznar, José Luis Rodríguez Zapatero y Mariano Rajoy. Este vídeo se realizó en una madrugada de agosto del año pasado, mostrando las caras visibles del régimen. 

Unos cuadros de gran realismo dados la vuelta que representan, como estos artistas los han denominado, “los encargados”. Los responsables de esta situación económica y social del país.Se trata de unas obras que hacen avivar las ganas de luchar en esta situación de desastre político en nuestra sociedad, donde se pone de manifiesto incluso en los lienzos que el mundo está al revés, que se da una imagen que en realidad no es de la que realmente se trata por parte de estos “encargados” que quedan en el punto de mira.

Así se nos presenta esta exposición tan explosiva que claramente va a dar mucho que hablar. Una exposición de contrapropaganda política donde se quiere dar una llamada de atención y sobre todo responder a la situación que está viviendo en nuestro país de la mano de un arte crítico que da la cara. Un arte un arte como medio de expresión que refleja y transmite el descontento político.

Por la puerta de atrás

Café hecho por Di

Wilfredo Prieto

Galería Nogueras Blanchard

Patricia Romero Pérez

La Galería Nogueras Blanchard abre sus puertas para acoger la exposición “Café hecho por Di” del artista cubano Wilfredo Prieto. Acostumbrados a las obras y objetos perfomance tan peculiares que solemos encontrar en sus instalaciones, nos muestra por primera vez una amplia gama de los dibujos ligados a sus proyectos a mayor escala. La exposición reúne más cien dibujos desde sus primeros años de formación en el arte, donde encontramos obras de diversas temáticas y dimensiones que se van intercalando entre sí e invadiendo las paredes de la galería formando un popurrí de dibujos.

Es muy curiosa la distribución de las obras, cuando llegas a la galería te encuentras enfrente de estas paredes llenas de dibujos donde el espectador se para por un momento para reflexionar e intentar sacarles un significado o buscar ese elemento crítico que puede haber detrás de ellos. La disposición de la obras es muy particular, es poco común encontrarnos esta especie de desorden de obras y esta contraposición de tamaños. Pero toda esta acumulación de conceptos puede resultar útil permitiendo al espectador hacer una relación lineal de estos mismos revelando un significado oculto y personal tras el trabajo del artista.

Se trata de unos dibujos muy sencillos a simple vista, trazos rápidos y delineados, meticulosos y a la vez con un cierto aspecto de fugacidad, de apunte. Reflejan temas y objetos de la vida cotidiana, temas que ha utilizado el propio artista como proyecto para realizar sus obras. El papel, como se puede apreciar en la exposición, toma gran relevancia, se pone de manifiesto como el primer instrumento o espacio donde se visualizan las ideas, donde se depuran, se matizan y donde se van dando la vuelta hasta llegar al proyecto final. Se muestra por primera vez ese trabajo del artista que normalmente no solemos ver y que queda detrás.

El artista representa la realidad, los temas del día a día con un particular tono humorístico, donde lo absurdo y lo real se unen en la búsqueda de una imagen deseada. De una simple escena cotidiana se pueden tomar ideas tan sublimes como algunas de las que encontramos en los dibujos de la exposición. El viaje infinito donde el artista representa una carretera como símbolo de lo infinito, como frustración de los límites, el proyecto exposición Museo, donde las propias salas de un supuesto museo se transforman para convertirse en áreas de ocio y placer para la sociedad contemporánea. Sin olvidarnos de la famosa taza dibujada que da nombre a la exposición, se trata de esa idea de lo que conlleva tomarse un café en un momento de ocio donde se comparten ideas, un diálogo cultural donde hay un intercambio personal y artístico.

A través de sus dibujos nos acercamos un poco más al lado más intimo y oculto del artista, sus traumas y preocupaciones de la vida, sus ideas y proyectos que van quedando plasmados mostrándonos este lado del artista que desconocíamos hasta ahora.

Diálogo con el espacio

El coleccionista de obsesiones. Bernardi Roig

Museo Lázaro Galdiano

20 enero/ 20 mayo

Patricia Romero Pérez

El Museo Lázaro Galdiano abre al completo las puertas de sus salas, desde el 25 de enero, para mostrarnos las obras del artista Bernardi Roig. La exposición “El coleccionista de obsesiones” será comisariada por el gran especialista en teoría del arte José Jiménez.

Este artista tan imaginario, Bernardi Roig, nos presenta diecisiete de sus obras en los espacios del museo que incluyen: dibujos, esculturas, imágenes e instalaciones de vídeo donde el propio artista se convierte en el protagonista de su película. El punto de partida de su trabajo en esta exposición es el tema de la lucha con el tiempo, de la memoria, pero sobre todo de la idea del artista como propio coleccionista. El artista ha redescubierto que es un coleccionista pero no de piezas sino un coleccionista de imágenes, de recuerdos, de emociones y de sentimientos que plasma en sus obras. Por eso el artista es un coleccionista de obsesiones, unas obsesiones fruto del transcurso de su vida que se van plasmando en cada una de sus obras. Se trata de una obsesión por ir coleccionando una serie de elementos propios obsesivos del artista y convertirlos en obras artísticas. Y este tema queda expuesto a través de sus obras, unas esculturas muy características a escala real, blancas y pulidas, de gran expresividad que tienen las cualidades de un espejo, atrapan y deforman nuestra imagen y nos adentran en el otro lado de una escena teatral. El artista intenta hacer ver, aunque sea para contemplar la ausencia por medio de figuras que son materias de ficción.

Se trata de una exposición muy innovadora no sólo por la expresividad y sublimidad que caracterizan a sus esculturas sino también por la invasión del espacio. Los “protagonistas” de sus obras tienen una fuerte presencia dentro del espacio en el que se sitúa, llenan el espacio, se mueven en él como si fuera un escenario. Mientras que el espectador debe situarse en el margen buscando un lugar desde el que contemplamos las obras y reflexionamos sobre nuestros comportamientos. Para nuestro artista la introducción de sus obras blancas y neutras deben situarse en un escenario con una narrativa inventada ante un público, es decir, ante un escenario donde se representan unos hechos que contemplamos pasar y que los introducimos en el transcurrir de nuestras vidas. Las obras recorren por primera vez gran parte de las zonas del museo, tanto en las zonas exteriores como el jardín, hasta los sótanos y las salas que normalmente están cerradas al público. Sus obras generan un diálogo con el espacio, se insertan en él adaptándose a la arquitectura y a sus características, a sus elementos, sobrepasando los límites del espacio hasta llegar a lo más alto de un árbol para exponer sus  obras. Una buena combinación de escenario y elementos que crean una unidad narrativa donde se juega con la obra y los elementos que la rodean, y donde los espectadores se convierten ahora en los propios creadores activos del relato.

Sin título y sin cartela

Jorge Perianes

"Sin título" Galería Max Estrella

Patricia Romero Pérez

La simbología y la reformulación de las preocupaciones del ser humano son uno de los temas principales que aborda la exposición “Sin título”, llegada a Madrid el 31 de enero en la Galería Max Estrella, de la mano del artista Gallego Jorge Perianes.

Se trata de una exposición donde encontramos una serie de instalaciones que abordan cuestiones esenciales de la escultura como la masa, el volumen, el material y la gravedad. El artista ha escogido unos materiales que aportan un juego de extremos entre lo más frágil como los espejos y el vidrio y lo más bruto como la roca. Con esto el artista pretende autorreflexionar sobre la búsqueda del conocimiento y de la sociedad a través de los extremos. La simbología como podemos apreciar en sus obras es un parte fundamental a la hora de realizar sus trabajos inspirados muchas veces en la literatura y en la antropología, pero siempre falta esa representación del hombre humano en sus obras un aspecto que es muy curioso porque no se representa al hombre pero si que se representa a sus adyacentes. Hay todo un juego con el espectador que entra en un estado de experimentación con las obras. Encontramos la representación de objetos muy sugerentes en su instalación que nos adentran en la escena pero que nos dan la libertad de imaginar el propio suceso de la historia a nuestra manera. Presenta motivos muy simbólicos como la escalera que no lleva a ningún lugar, o las copas rotas y vacías que parecen sugerir el final del deseo o de la fiesta.

La curiosidad es una de las cosas que surgen nada más encontrarnos con las obras de Jorge Perianes, son piezas de una gran belleza estética y de superficies muy pulidas, calculadas, que reclaman e introducen al espectador en un contexto puntual. Son obras que te adentran en unas historias que atrapan al espectador y que hacen provocar ese interés por descifrar el mensaje. Las obras de Jorge Perianes reflexionan partiendo de la simbología sobre el ser humano y sobre sus preocupaciones y su naturaleza, un acercamiento a temas que nos inquietan como ser humano como pueden ser la inseguridad, el dolor, la muerte o la incapacidad de conocernos a nosotros mismos. El artista juega en sus obras con la metáfora y la ironía haciéndonos imaginar cómo detrás de esos objetos pueden esconderse unas historias mucho más oscuras de lo que nos imaginamos, un juego entre lo dramático y lo absurdo que se colorea o se esconde tras la belleza.

Sin lugar a dudas es una exposición de las que no deja indiferente al espectador, que te envuelve, que te genera curiosidad y que te hace reflexionar y sentir sobre algunos conceptos de la naturaleza y de la vida, y sobre todo que involucra un contacto directo con la obra dejando volar a la imaginación en unas obras donde no hay ni título ni explicación.

Capacidad musical

Pop Politics: Activismos a 33 revoluciones

Centro de Arte Dos de Mayo

30-11-2012 / 21-04-2013

Patricia Romero Pérez

Llega a  Madrid, de la mano del joven comisario madrileño Iván López Munuera, la exposición Pop Politics: Activismos a 33 revoluciones que nos adentra en el mundo de la música y de las artes visuales, un tema que parece atraer a un público muy amplio.

Se trata de una revisión de la música y de los posicionamientos ideológicos contemporáneos. Una idea de lo político a través de la música pop. El punto de partida es cómo las artes visuales con el tiempo han ido heredando, de varias formas, experiencias musicales. Un posicionamiento ideológico donde los movimientos culturales contemporáneos crean y expresan sus ideas desde espacios tanto personales o compartidos hasta medios de comunicación. Unas categorías que se desarrollan en un espacio cultural en continuo cambio y que reivindica el ocio como un espacio cultural y activo.

La exposición se articula mediante las obras de varios artistas englobados en varios puntos temáticos que generan unos debates muy interesantes. El primero se denomina “Cuerpos a 33 revoluciones”, en este espacio encontramos las propuestas de varios artistas como Kalup Linzy, Red Caballo, Mickalene Thomas, Juan Pablo Echeverri, Daniel Johnston o Gabriel Acevedo Velarde.  Se trata de una serie de artistas han encontrado un campo de trabajo en elementos del día a día, se trata de pronunciamientos y configuraciones como pueden ser las modas, la vestimenta, los peinados, las identidades en escena etc. Una serie de prácticas cotidianas en las que la política se sirve de disciplinas que han encontrado su propia oportunidad de desarrollo en las tradiciones de la música pop.

El segundo punto se denomina “Espacios de felicidad extrema”, donde encontramos algunos artistas contemporáneos como Ryan McGinley, Luis Jacob, Till Gerhard, Daniel Llaría, Jennie Livingston o Zira02 que han trabajado en un contexto muy interesante. Se trata de espacios como los clubs, discotecas, conciertos o habitaciones empapeladas con pósters de nuestros artistas favoritos, y de cómo estos mismos espacios sirven en muchos casos como cuestionamiento de las relaciones sociales y del status quo. Una experimentación musical y espacial que estos artistas han tomado cómo punto de reflexión para sus obras donde se estudian las diferentes relaciones y contenidos de la cultura juvenil y los contextos en los que se produce.

El tercer punto temático se denomina “El fan emancipado”, se trata de una reformulación o revisión del papel que ejerce el espectador. De la mano de artistas contemporáneos como Jeremy Deller y Nick Abrahams, Aitor Saraiba, Luke Foler, Lorea Alfaro, Christian Marclay, Francesc Ruiz y Momu & No Es, se comienza a evaluar cómo la figura del espectador no es un agente pasivo que no tiene ni voz ni voto para intervenir en los procesos de producción y significación del pop, sino que en realidad el espectador es un agente activo que tiene mucha importancia sobre todo a la hora del desarrollo y la elaboración de estos productos. El papel del fan ha sido un hecho muy significativo en numerosos artistas provocando en ocasiones la emancipación personal o colectiva del artista.

“Del Samizdat al Agit Pop” es el siguiente punto que encontramos de la mano de artistas contemporáneos como Raymond Pettibon, Pepo Salazar, Dave Muller, Jeleton, June Crespo, Robert Crump y Azucena Vieites. Estos artistas proponen una serie de medios de comunicación especializados en la difusisión y que son de una gran originalidad y sensibilidad contraponiendo la idea de los medios habituales de difusión que consideran insuficientes y faltos de imaginación. Proponen una serie de técnicas particulares y elementos como son los fanzines, el samizdat o el agit pop.

Para finalizar la exposición encontramos este último punto denominado “Cover versions, habitando por segunda vez”. En esta última sección encontramos una serie de artistas como Daniel Jacoby, Icaro Zorbar, Lyota Yagi, Discoteca Flaming Star, William Cordova, Bozidar Brazda y Ruth Ewan que han trabajado en la realización de unos modos de existencia o de acción a través de la reutilización de elementos ya existentes, una practica que ha sido ya tipificada en la cultura pop como las cover versions y que buscan dar una nueva visión a las producciones alejándolas de su significado original y dotándolas de nuevos sentidos y posicionamientos como una reencarnación de sus ideologías.

En definitiva una exposición muy interesante que acoge unas técnicas muy originales que reivindican elementos como las camisetas, las canciones los pósters, los videos, las fotografías, las pinturas y las performances. Una exposición que aporta la revisión de la música y de la cultura pop en los códigos estéticos y que nos hace replantearnos hasta que punto llega su capacidad de recepción en el espectador. Una reflexión sobre la capacidad política y estética ya no sólo desde la cultura de la música pop sino desde todos los ámbitos musicales.

Un Ordinario Café

Gabriela Rodríguez Riva Palacio

El subconsciente de cada persona nos liga a las formas más primitivas, a la ingenuidad y retroceso de volver a la capacidad de abstracción de un niño. Eso y más es lo que Wilfredo Prieto trata de mostrar en su expo “Café hecho por Di”. Los bocetos simples y elementales del artista guían al espectador a indagar por el inconsciente donde se encuentra lo más remoto del cubano. Para muchos puede que todos estos dibujos sean repetitivos, sin embargo hablan de una continuidad de proyectos al aire. Siempre hay sueños que por una cosa u otra no se pueden llevar a cabo, por ejemplo una instalación idealista donde la tecnología de la época no te permita construirla; muchos de estos trazos presentados en la Galeria Nogueras Blanchard son parte de ideas truncadas o metas por cumplir.

El artista caribeño escribe sus miles de traumas, deseos y propuestas en bocetos monocromáticos, donde el círculo es un elemento principal. Hablamos del círculo en todas sus expresiones como en bicicletas, pelotas o tasas. Pero, ¿qué es lo que realmente nos querrá decir Prieto con esto? Yo creo que trata de gritar una frustración por querer hacer más allá de lo que el mundo físico te permite. La capacidad de abstracción de un niño es impresionante. Un ser humano no tiene más que líneas y círculos para ser representado, y de esta forma se pueden representar los dibujos veloces para expresar una idea. Wilfredo toma su presente, su pasado y sobretodo su futuro para generar esta sencilla exposición. Un largo pliego de papel cubre un gran espacio de la sala, éste es una ingenua proyección en planta de una exposición que montó años atrás, los trazos y las formas son poco definidos y llevan al espectador a pensar que sólo el artista lo puede entender como la planta que muestra como la forma en que estaba organizada la exposición. Teniendo talento para dibujar de forma realista, Prieto opta por regresar a ser un niño y trazar libremente líneas y figuras básicas.

Sin duda se podría considerar esta obra como un intento o ejercicio dadista. Sin embargo no tiene nada que ver con el movimiento, me parece que para poder mostrar los bocetos o dibujos rápidos que se hacen dentro de un proyecto, deben ser excelentes, sino son simples ejercicios sin sentido de ser vistos. Una obra expuesta cuenta una historia y genera sentimientos y sensaciones, mismas que no se sienten en ningún momento al visitar la Galería con esta muestra. Diferencia entre ejercicio y obra de arte, creo que eso es falta, la capacidad de saber distinguir entre lo que se debe y no mostrar al público. Para lograr que en el público se muevan todas las emociones que tienen dentro, hace falta algo más que un dibujo realizado para ti mismo. Abstraer como lo haría una mente tan genial como la de los niños es un arte, mas el hecho de pintar como lo haría un niño no lo es. 

MENSAJE DEL PROFESOR. Ante el muy significativo número de ausencias en las últimas clases de la asignatura quiero recordar que la asistencias es OBLIGATORIA para todos aquellos que quieran ser calificados mediante las críticas y demás trabajos establecidos. Aquellos alumnos que no mantengan una asistencia continuada tendrán que realizar el EXAMEN aun cuando hayan entregado todos las críticas o reseñas. Hago esta advertencia en este momento para evitar malentendidos por parte de todos aquellos que han tomado la (legítima) decisión de no acudir a clase (lo que supone que están preparando el examen).

MENSAJE DEL PROFESOR. Los textos sobre la película de Banksy y las reseñas del libro de Bourriaud NO se cuelgan en el blog. Hay que entregarlos en papel y en clase.

MENSAJE DEL PROFESOR. Los textos sobre la película de Banksy y las reseñas del libro de Bourriaud NO se cuelgan en el blog. Hay que entregarlos en papel y en clase.

Postproducción Nicolas Bourriaud

Producción, Reproducción y Postproducción

Postproducción

Nicolas Bourriaud

Laura Ventura

(estudiante de intercambio Erasmus, segundo semestre)

Postproducción es un documento de analisis de los últimos treinta años. Escrito por uno de los más activos críticos de arte francés, y director del Palais de Tokyo de París. Se analizan los trabajos de artistas como Mike Kelley, Rirkrit Tiravanija, Maurizio Cattelan, Pierre Huyghe, Liam Gillick, Jorge Pardo e Pierre Joseph, Nicolás Bourriaud hace un importante analisis de los últimos veinte años de arte contemporáneo, sugiere que el arte de la “postproducción” puede ser la práctica artística más adecuada para reaccionar ante la  confusión de la cultura mundial en la época de la información.

Desde principio de los 80, las obras de arte se crean sobre la base de otras obras que ya existen; siempre los artistas interpretan, reproducen, muestran de nuevo y utilizan las obras de arte que han realizado otros artistas u otros productos culturales.

Introduciendo en la propia obra la obra de otros, los artistas contribuyen al desarraigo de la tradición, distinción entre la producción y consumo, creación e imitación, readymade y obra original. No se trata más que de elaborar una forma sobre la base de un material basto, de trabajar con objetos que ya se encuentran en el mercado cultural, objetos ya informados de otros objetos.

Los conceptos de originalidad (ser el principio de) y de creación (crear alguno de la nada) desaparecen lentamente en el nuevo panorama cultural.

La cuestión artística no se pone más entre los plazos de un “¿Qué hacer de nuevo?”, pero de “¿Qué hacer con aquello que tenemos?”.

¿Cómo podemos producir singularidad y sinificado para empezar con esta masa caótica de objetos, nombres e indicios que van a costituir nuestro día a día?

Hoy los artistas programan las formas mas que componerlas. Al contrario de trasfigurar un elemento sencillo (lienzo blanco, arcilla…) recombinan las formas que ya están y utilizan la información. La invención de rutas entre la cultura es la configuración del saber que pone en común el trabajo de Dj, la activitad del web surfer y aquella de los artistas que se dedican a la postproducción. Hay tres ejemplos que producen sobretodo rutas originales entre signos. Cada obra deriva de un escenario que el artista proyecta sobre la cultura que se considera a su vez como una cornisa narrativa que produce nuevos escenarios de un movimiento sin fin. La obra contemporánea no es más el punto donde se acaba el “proceso creativo” (no es un “producto terminado” que se contempla), es un sitio de navegación, un portal, un generador de actividades. Se manipula al empezar la produción, navegamos en un network de signos.

La apropiación es el primero estadio de la postproducción: no es sólo fabricar un objeto, es optar entre aquellos que ya existen, utlizarlo y modificarlo dándole  una intención específica.

El arte contemporáneo tiende a abolir el derecho de propiedad de las formas y cambia los viejos derechos. ¿Estamos marchando hacia una cultura que dejara el copyright en favor de una gestión de derecho acceso a las obras?

En la vida cotidiana, el intersticio que disocia producción y consumo se estrecha cada día. Podemos producir una obra musical sin componer una nota, utilizando solo discos que ya existen. Pero en general, el consumidor personaliza y adapta los productos que compra a su personalidad y a sus necesidades.

Pronto el “Do it yourself” alcanzará el nivel de  producción cultural. El consumidor estático de los años 80 esta desapareciendo a favor de un consumidor inteligente y potencialmente subversivo: utilizador de formas.

Las caídas que representan la experiencia cotidiana para ciudadano de siglo XXI son por ejemplo el sujeto de la obra de Mike Kelley: el melting pot caótico de la cultura global, en que se mezclan cultura alta y baja, oriente y occidente, arte y no-arte, una infinidad de registros de iconos y modalidad de producción.

El tema mayor de el trabajo de Kelly es  aislar, es la misma manera que funciona  nuestra cultura, desaraigando, empalmando y sacando  de contexto las cosas.

El contexto es a veces un marcador (un dedo que muestra lo que se debe mirar), y un límite que molesta al objeto contextualizado de caer en la instabilidad y en la abstración, en el informal, como un vertigo de la cultura “selva”.

Los sentidos son productos de el contexto social y Kelly los arranca y utiliza las formas  como herramientas de conocido, libre da su packaging original. También John Armleder manipula fuentes heterogéneas: objetos de la producción de masa, señales de estilo, obras de arte y mueble.

Se da un valor positivo al remake, pone en relación las formas y no buscar lo sublime que caracterizaba al modernismo.

Los artistas de la postproducción trabajan en la nuestra sociedad que tiene una estructura de narrativas immaterial, institucional e ideológica,y nosotros vivemos en ella. Liam Gillick dice que “Somos todos víctimas del escenario del capitalismo”. Algunos aristas manipulan las técnicas de previsión para poder mostrar las motivaciones.

Las formas que nos cercan son la materialización de estas narrativas.

Los artistas de la postproducción utilizan estas formas para descodificar y producir redes narrativas diferentes y alternativas.

El arte lleva los escenarios colectivos al conocimiento y propone otras rutas en la realidad, con la ayuda de las formas que materializan las narrativas impuestas.

Manipulando las formas estrelladas del escenario colectivo, consideradas no como materiales indiscutibles, pero si como estructuras precarias que se utilizan como herramientas, los artistas producen espacios narrativas singulares en que la obra es la producción. Utilizar el mundo permite de crear nuevas narrativas y su contemplación pasiva relega cada producción humana en el espectáculo colectivo.

Para los artistas conceptuales el lugar expositivo costituía un lugar, mientras que  para los artistas de hoy es unos de los muchos lugares de producción. No se trata de analizar el espacio expositivo, pero si de individualizar la posición en un sistema de producción mas amplio en que se determinan y se codifican las relaciones. La galeria es un lugar como otro, un espacio que es parte de un aparato global. La sociedad se muestra como un cuerpo compartido en lobby, partidos, comunidad y en un gran catálogo de contexto narrativo. Lo que llamamos “realidad” es un montaje y nos preguntamos si este es el único posible. Para empezar da lo mismo el material (el cotidiano), se pueden realizar diferentes realidades. El arte contemporáneo es como una consolle de montaje diferente que turba las formas sociales y lo organiza otra vez. El artista programa para programar otra vez y todos los elementos de una producción artística se pueden utilizar y ninguna imagen pública debe beneficiar de la impunidad.

Esta una lucha legal con los artistas al primer puesto, ningún signo o imagen es intocable, todo se puede cambiar y convertir.

El arte pone en discusión todas las formas sociales y todos los signos, pone  nuestra vida irreal en contraste con una sociedad económica que gobierna  a todas las personas que viven en el mundo.

Los artista contemporáneos no se inclinan frente a las obras de el pasado,sino que las utilizan para hacer algo nuevo, otro tabajo.

El arte es una actividad que produce una comunicación con el mundo y materializa en las formas  sus relaciones con el esapcio y con el tiempo.

¿ARTE O MERCANCÍA?

¿ARTE O MERCANCÍA?

 

 

Exit Through The Gift Shop

Director: Banksy

 

 

Patricia Romero Pérez

 

El arte como mercancía es uno de los temas más polémicos y problemáticos dentro del mundo artístico, dejando a un lado la creación del arte como medio de expresión  y pasando a ser un producto mediático que se mueve a través de los precios de los inversores. Lo que nos lleva a pensar que en la mayoría de las veces el dinero es lo que gira alrededor de todo, y esto mismo queda reflejado en el título de la primera producción cinematográfica de Banksy “Exit Through The Gift Shop”. Este título tan indicado da mucho que pensar, es verdad que esta mítica frase suele aparecer al finalizar una visita de una exposición o de un museo, con esto Banksy resalta esta idea del mercantilismo unido al mundo del arte  que tanto critica en sus obras.

 

Banksy es un artista callejero convertido en todo un enigma mediático ya que conserva su identidad oculta a la prensa y se conoce muy poco a cerca de él. Tan sólo deja el testimonio de sus obras puras y reivindicativas donde expresa las distintas visiones de la sociedad de consumo. Es un artista muy original con un estilo particular que queda reflejado en su producción cinematográfica, la que ha causado una gran controversia por aceptar englobarla o no dentro del género de documental o si más bien considerarla como un “falso documental”.

 

Al oír hablar de la película documental de Banksy lo primero que nos viene a la cabeza es un documental que trata sobre este artista tan desconocido, pero para sorpresa de todos el personaje de Bansky pasa a un segundo plano para narrar la vida de un anónimo francés que por casualidad se va introduciendo en el mundo del arte callejero de Los Ángeles. Su obsesión por filmar y la afición de su primo por el arte del graffiti le llevan a conocer a los mejores graffiteros que en ese momento realizan sus obras en Los Ángeles, pero su sueño se convierte en filmar al gran artista paradigmático, Banksy.

Es justo en este momento cuando el mundo del graffiti se esta trasladando de los muros de las calles a las paredes de las más exitosas galerías de la ciudad, convirtiéndose en un boom para los grandes inversores y coleccionistas de arte de distintos países.

 

Es en este momento cuando Banksy, propulsor de un arte reivindicativo y crítico con el consumismo, decide que es la hora de realizar una película con todo el material que el francés Thierry Guetta había filmado. La realización de esta película tendría como fin el recordar a la gente que el objetivo del arte de estos artistas callejeros no es el arte como un instrumento de éxito económico sino una creación del arte como medio de expresión.

Pero lo que sucede finalmente es que hay un cambio de papeles y nuestro personaje anónimo crea una exposición que resulta exitosa, pasando a ser de la noche a la mañana uno de los artistas más cotizados de la ciudad.

Lo que termina por demostrarnos esta gran producción de Banksy, es que actualmente en el panorama artístico no hay que ser un genio para vender o tener fama, sino estar en el momento adecuado, estar dentro de una moda, ser diferente o presentar algo totalmente innovador. Banksy juega con maestría con un paradójico cambio de papeles donde ahora el documentalista es el propio protagonista del film, y donde nos hace plantearnos la esencia de lo que es un verdadero artista o un artista mediático.

 

Un documental narrado con un estilo muy particular y fluido donde nos introduce de lleno en el mundo del arte callejero que ahora toma cabida en museos y galerías. Una buena forma de dar a conocer este arte para muchos desconocido, y en muchas ocasiones infravalorado. Banksy nos deja asomarnos durante unos minutos a su estudio donde crea las grandes plantillas de sus graffitis y donde nos hace partícipes de sus obras y de sus alocadas ideas como vemos en el episodio que realiza en Disney introduciendo una de sus obras en una atracción.

Banksy sobre todo quiere subrayar la idea de la esencia del artista callejero, es en este momento cuando reflexionamos sobre si ¿el artista nace o se hace? ¿cómo se llega al éxito? ¿es necesario ser un genio del arte? Y pretende con esto también defender que aunque muchos artistas se hayan comercializado, como sin querer le ha ocurrido a él, todavía muchos de ellos no olvidarán la esencia de este arte puro y crítico con la sociedad, un arte fiel que defiende sus principios y que no se vende en ninguno de sus aspectos.

 

Una primera producción cinematográfica que no deja indiferente al espectador y donde una vez más Banksy consigue con esta obra maestra mantenerse como el gran misterio del arte callejero ¿hasta cuando nos mantendrá con la intriga el enigmático graffitero? 

"Exit Through the Gift Shop”

                                                                                                   Comentario de película. 

                                                                                                   Cintia Cantos Carrascosa.

“Exit Through the Gift Shop”, no es una simple película documental, es un largometraje que va más allá de lo que nosotros entendemos como tal.

Es una película que en sus inicios comienza sin un propósito final, sin una meta que alcanzar, es por esta peculiaridad que tal vez por ello Therrie Guetta, quien filma todas las escenas e imágenes que aparecen en la cinta, consigue un trabajo tan magnífico, puesto que al no verse sometido bajo presiones filma y graba a su antojo y gana.

Therrie Guetta es uno de los protagonistas, quien sin saberlo va a documentar el inicio de un nuevo movimiento que surge entorno al comienzo de los años 90, el street art o arte callejero, movimiento que en pocos años tendrá numerosos seguidores.

Nuestro cámara es un francés asentado en Los Ángeles cuya vida está totalmente desvinculada del arte, hasta que un buen día llega a sus manos una videocámara y comienza a grabar todo, y sin él saberlo comienza a hacer “arte”.

Describir como llega a filmar este nuevo arte que surge en las ciudades, se puede calificar únicamente como golpe de suerte, al igual que las obras que surgen de este movimiento, tienen en común con la grabación de su nacimiento el golpe de suerte, el saber estar en el lugar adecuado en el momento exacto, en otras palabras un artista de este movimiento culmina su obra si no es detenido antes, lugar y momento adecuado, Therrie al fin y al cabo es una persona colocada al igual que el artista en el momento preciso.

Es una cinta que engancha al espectador por los componentes que en ella se mezcla, hay verdad y mentira, comedia, sentimiento, pero sobre todo es interesante ya que refleja la mirada de un artista proyectada sobre otro, podría decirse que se trata de un juego de espejos.

El street art, es un arte que puede asociarse muchas veces con el vandalismo, la línea que los separa es muy fina, pero lo que hace que las obras del arte callejero sean admiradas y no despreciadas es la aceptación del público, y sobre todo del público perteneciente a las clases altas de la sociedad, como bien se indica en la película una colección de arte no está completa sin un Banksy. Es un arte rápido, un día están expuestas en la calle a merced de cualquiera, y al siguiente camino de una colección privada.

Un arte para mi crítica conectado al nuevo siglo, en donde todo es movimiento, velocidad y fugacidad, ya sea desde la comida, los coches, la música hasta el arte, atrás quedan los tiempos donde un artista se pasaba años para dar finalidad a una de sus creaciones. En nuestra sociedad el arte adopta nuestro estilo de vida, y como siempre refleja a la sociedad del momento, una sociedad en continua evolución y desarrollo.

Gracias al largometraje podemos poner cara a los precursores de arte callejero como Shepard Fairey, el artista urbano apodado "Invader", y la pieza estrella Banksy, quien a día de hoy se desconoce aun su identidad.

Banksy es el perfecto prototipo de artista de este momento y quien con su filosofía mejor describe este arte, pues es una persona que con sus obras nunca busco fama, ni dinero, sino el poder expresarse y hacer una crítica tanto social como política, pero que por un golpe de suerte se convirtió en uno de los artistas más famosos, apoyado y con seguidores del mundo, ya que es conocido a nivel internacional.

Fue él quien permitiendo ser grabado más tarde dirigió la creación de “Exit Through the Gift Shop”, y que permitió que el merito se lo llevara su amigo Therrie, demostrando su nulo afán de sacar provecho de este movimiento.

Sin alejarnos de la persona de Banksy, debemos hablar de uno de sus mayores discípulos, Mr. Brainwash ("MBW") es el pseudónimo o alter ego del artista callejero de origen francés Thierry Guetta, su obra bebe de todas las corrientes y artistas del street art, pero de quien más toma inspiración es de Banksy, tras involucrase tanto en este mundo decide dejar la cámara a un lado por el pegamento y las fotocopias de sus obras, genera tras recibir esa formación tan minuciosa y personal, una gran colección de obras propias las que más tarde expondrá en una galería para hacer su debut, en donde intenta seguir el dicho del aprendiz supera al maestro, ya que busca con esta exposición no defraudar a su gran amigo y mentor Banksy, en la película vemos como se gesta esta exposición y como tras su inauguración es aceptada y admirada por numerosos personajes y críticos, tal es su aceptación que un principio iba a estar abierta al público tres días, y finalmente “Life is beautiful” titulo con el que se corona la muestra permanece meses abierta permitiendo el disfrute de numerosos amantes del arte y turistas llegados de diversos lugares del mundo.

Mr. Brainwash ("MBW" o lavado de cerebro) es cierto que es un artista famoso cuya obra es mundialmente reconocida, pero no deja de ser un reciclado de obras de artistas anteriores a él (por un lado el reciclaje del conocimiento de artistas a quienes a filmado y por otro usa de base logotipos ya editados que sabe que han tenido éxito, ejemplo las obras de Warhol que él caricaturiza), la pregunta es como en nuestra sociedad una persona cuya obra y producción no es más que un reciclado de obras y producciones anteriores tiene tantos seguidores y es tan bien acogida, al fin y al cabo no está inventando nada nuevo.

Muy lejos de ser, recuerda al imperio creado por Amancio Ortega, quien su fortuna la ha conseguido reciclando los modelos de ropa creados por los diseñadores de alta costura; al igual que a Mr. Brainwash ocurre que cuando hablamos de alta costura nos viene a la mente personajes como Christian Dior, Coco Channel, etc, no Amancio Ortega, pero si vemos la realidad es quien por un golpe de suerte y un reciclaje ha conseguido ser uno de los hombres más ricos del momento, más incluso que estos diseñadores anteriormente nombrados.

Con Mr. Brainwash ocurre algo similar cuando hablas de street art, destacan nombres como el de Banksy, o de Shepard Fairey, mientras que MBW no aparece ni es nombrado de forma tan destacada, sin embargo es una persona que por su golpe de suerte ha ganado mucho más dinero en menos tiempo y estudio que todos estos artistas, ha dejado de ser un dependiente en una tienda de ropa a ser alguien cuyas obras se cotizan por grandes cantidades de dinero.

Desde mi punto de vista el street art es un arte que hay que comprender, no es un arte del que uno de se deba lucrar, sino que debe de ser un arte de protesta, usado de forma satírica y burlesca para poder criticar en parte a la sociedad y los tiempo que corren, muy unido a la cultura pop y sus ideales, ya que al fin y al cabo es una de las ramas que componen el pensamiento de una nueva sociedad y de jóvenes que buscan romper con el clasicismo y las normas establecidas hasta el momento para poder conseguir que la sociedad avance, y ese sueño lo plasman en el movimiento y trazo rápido de su obra con usos de materiales como sprays, fotocopiadoras, etc.

Qué es un artista?

¿Qué es un artista?

Exit Through the Gift Shop

Director cinematográfico: Banksy

Productores: Jaimie D’Cruz, Holly Cushing, James Gays-Rees

Cast: Banksy, Thierry Guetta y Shepard Fairey

Fecha de salida: 2010

Laura Ventura

(estudiante Erasmus segundo semestre)

El término Mokumentary define un falso documental, es decir, esas películas que tratan temas que son fruto de  la pura inveción como si fuera realidad; el ejemplo tal vez más conocido es Zelig, la genial joya en la que woody Allen recostruye la biografía del único hombre camaleón.

La palabra nació da la contracción de las palabras mock y documentary; la primera además de llevar implícito el significado de falso tiene cierto tinte irónicoy bromista.

En este sentido la definición es apropiada para Exit Through the gift shop, la primera película de Banksy, en la que aparece el más famoso street artist inglés película camuflato.

Al principio, en los títulos de presentación,y después de la Revolver Production, aparece la marca Paranoid Pictures que hace una parodia de la conocida montaña Paramount y expone una serie de golpes de proyectil para perforar el stencil que estaban al puesto de las estrellas originales. Así la película declara directamente su vena ridícula.

También el tono de la voz narradora, del actor inglés Rhys Ifans, acentuada a proposito para invocar la ironía iconoclasta y profanadora de un mito imortal como The Rocky Horror Picture Show.

La película es una mezcla de falsedad, falsas verdades y hace guiños irreverentes al mundo del arte moderno y a sus obsesiones.

La celebridad y la fama son metas perseguidas por muchos y evitadas por unos cuantos. El dinero y el brillo mediático, que la mayoría parece desear, son para una minoría un estorbo para continuar haciendo lo que les gusta sin ser molestados. Entre esos bichos raros que prefieren la libertad a los reflectores se encuentra Banksy, personaje central y creador del brillante documental Exit Through de Gift Shop. Conocido internacionalmente sólo por su pseudónimo y célebre por conservar su identidad en secreto, Banksy es hoy la súper estrella de la escena artística independiente internacional que se mueve como un pez en el agua en los terrenos del graffiti, el stencil, la instalación y, más recientemente, del video. Su última travesura, motivo de innumerables comentarios, análisis académicos y notas periodísticas, tiene que ver ni más ni menos que con la intervención que hizo a la célebre cortinilla de los Simpson, clásico moderno de la televisión creado por Matt Groening. En la pieza de poco menos de dos minutos, el artista originario de Bristol, sintetiza un estilo caracterizado por la irreverencia y lo contracultural, así como por una ácida crítica a la producción en serie y la explotación de la mano de obra barata plagada de técnicas y personajes omnipresentes en su obra (ratas, cuervos o pandas). Más de cinco millones de clicks en Youtube en unos cuantos días hablan de la relevancia de un creador que está muy lejos de pasar desapercibido. Un éxito como el anterior parece difícil de superar pero, sin duda, Exit Through the Gift Shop, ópera prima involuntaria de Banksy como director de documentales, es mucho más que una cortinilla divertida. El documental se originó en lo que se podría catalogar como un afortunado accidente cinematográfico: un aficionado francés al arte callejero, Thierry Guetta, empieza a grabar a los principales exponentes de la escena de Los Ángeles y, eventualmente, a Banksy que, ante la torpeza del realizador, toma el control del proyecto y le propone dedique su tiempo al arte. El documental es un divertidísimo viaje al corazón de un modo de expresión que lentamente ha migrado de la calle a las galerías y los museos. Las reglas de juego cambian otra vez. El espacio artístico que convencionalmente se conoce como la galería o museo, se esta recogiendo todo lo que pasa en la calle. Todo tiene un precio y esta enfrente de los ojos de un comprador. Aquel que era hace poco tiempo contracultura vuelve a ser conformista, como es fisiológico que sea. La misión de los limites de la legalidad de Banksy y sus compañeros es llevarse otra vez  los espacios públicos para trasformarlos en enormes galerías que están a la luz del sol, a cielo abierto. Por la cinta desfilan nombres como JR, Space Invader o Shepard Fairey que son  el motor y punto de partida para que Guetta descubra el encanto y la adrenalina de un movimiento que se meterá poco a poco en sus venas y lo transformará de observador a objeto de estudio. Guetta colaboró con Banksy para hacer una misión especial: instalar una muñeca que parecía un prisionero de Guantanamo en el parque de Disneyland. En todos estos lugares la gente siempre esta controlada y el servicio de vigilancia del parque claramente no estuvo de acuerdo a la hora de mostrar el lado oscuro del reino mágico. Es justo en ese punto, en la inesperada vuelta de tuerca, donde el documentalista se convierte en protagonista del film, donde radica su principal acierto, descubriéndonos el extraordinario talento de Banksy como cineasta. Prueba de ello, son el brillante ritmo que aterriza en un montaje preciso y el manejo de cámara propio de un veterano. Más allá de sus aciertos formales, tal vez lo más sabroso de Exit Through the Gift Shop está en su humor y contenido, en la manera en que propone a su realizador original, Thierry Guetta como metáfora y ejemplo vivo de lo que sucede hoy en muchos casos en el mundo del arte. Vemos cómo un neófito con un plan bien estructurado, un gran presupuesto y un equipo importante de colaboradores se puede convertir, de la noche a la mañana, en una estrella de la escena alternativa de Los Ángeles. El nombre artístico que elige, Mr Brainwash, es una muestra más de lo paradójico del caso. Así, este documental deviene una brillante reflexión sobre el arte contemporáneo, su valor comercial y el papel de la creatividad y el talento en el mundo de hoy. ¿Qué es lo verdaderamente importante para triunfar? ¿Quién es realmente el artista? ¿El que vende más? ¿El que se cotiza más caro? La respuesta parece estar en el buen sabor de boca que nos deja el primer trabajo de un genio de la irreverencia que aterriza en el cine con una película sólida, divertida y completa. Además de recordarnos que el documental no tiene por qué ser aburrido y acartonado, Banksy demuestra en su ópera prima que es un artista en todo el sentido de la palabra, capaz de abordar con maestría nuevos lenguajes. Hacia el final del metraje, con el rostro escondido detrás de la típica digitalización que protege su identidad, nuestro director estrella amenaza con no volver a hacer cine…ojalá no cumpla su promesa.